La importancia de las pequeñas cosas

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Quería despedirme del año y de esta etapa del blog con este artista, puesto que fue la primera idea que tuve para escribir y por unos motivos u otros no he llegado a publicarla en todos estos meses. Ya se sabe, los estudiantes somos muy dados a dejar lo importante para el último momento, pero eso no quiere decir que por ello tenga que ser peor.

Dalton Ghetti es un artista que utiliza los lápices para crear arte, pero de una manera algo inusual. En apenas unos milímetros es capaz de crear unas esculturas magníficas y singulares en las minas de grafito. El artista lleva unos veinticinco años tallando estas maravillas, tras decidir dejar a un lado su faceta de carpintero para, en sus propias palabras, “tratar de hacer las cosas tan pequeñas como fuera posible”.

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Es esta última reflexión del artista con la que quiero cerrar mi colaboración en este espacio, ya que aunque tratemos de magnificar siempre todo, a veces las cosas pequeñas son las más importantes.

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Comentario de fotografía: La noria

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Como ya comenté en mi anterior entrada, no soy muy de hacer fotos, excepto en contadas ocasiones. Una de ellas es este caso, una foto tomada para, algo cruelmente, dar envidia a los demás. Es una imagen de la feria que montan en el antiguo cauce del Turia en verano, y que encontré por casualidad con una amiga este verano, por lo que decidimos enviarle una foto al resto de nuestro grupo por Whatsapp. La verdad es que con la facilidad de enviar fotos por el móvil, hoy en día hasta el menos interesado en fotografía como yo acaba haciendo muchas, aunque pocas de ellas merezcan verdaderamente la pena.

La fotografía destaca uno de los elementos que más me gusta de las ferias: la noria. La tomé mientras esperaba para montar en ella, y recordé la existencia de esta foto precisamente porque hace unos días fui a la feria que ahora mismo está montada en el puerto.

La imagen está claramente dividida en dos partes: a la izquiera un primer plano de los vagones de la noria, y a la derecha un fondo de cielo nocturno con algunas otras atracciones recortadas en él. Destaca la luz y el color de la parte inferior de la fotografía, que poco a poco van desapareciendo en el celaje oscuro, una desaparición que se acentúa con la curva de los vagones, cada vez más pequeños y oscuros conforme van ascendiendo. También llaman la atención los contornos borrosos de muchos de los  elementos que aparecen, puesto que están en movimiento, aportándole a la imagen un aire de animación muy típico de ese lugar.

La fotografía transmite a la perfección la vivacidad y energía de la feria, que es uno de los lugares que más me gustan, tal vez por ser algo efímero que solo se puede disfrutar unos días al año.

Comentario de Fotografía: Retrato

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He de confesar que no soy una persona muy propensa a hacer fotografías. Siempre pienso que el tiempo que gastas en hacer una foto lo puedes pasar disfrutando del sitio en el que estás, o de lo que estás haciendo en ese momento. Opino que por mucho que lo intentes, nunca vas a poder captar el impacto total de algo en una imagen, y prefiero disfrutarlo al máximo mientras dure. Soy de las que prefieren dejarle la cámara a otros con más ganas, y simplemente aparecer de fondo en todas las fotos, por ello no tenía demasiadas imágenes donde elegir para hacer este comentario.

Esta es, posiblemente, la fotografía más útil que he hecho nunca jamás. Una amiga estudiante de Bellas Artes me pidió que le echara unas fotos para luego hacer un autorretrato a partir de ellas, y esta fue finalmente la elegida. ¿Por qué tuvo tanto éxito? Porque el autorretrato de la chica finalmente ha terminado en una exposición.

La fotografía fue tomada directamente en blanco y negro, con una luz de atardecer que provenía de una ventana a la izquierda. El alto contraste de la imagen fue una exigencia de ella, pues lo ncesitaba para luego dibujar el cuadro. Es un retrato individual donde la modelo mira hacia otro lado, lo que le aporta un cierto aire de abstracción pero también de intimidad. Personalmente cuando miro la foto me da la sensación de estar observando a alguien en un momento de reflexión personal, y me provoca cierto sentimiento de intrusión.

Añado también el resultado final del cuadro que hizo la chica, curiosamente en un formato apaisado en lugar del vertical de la fotografía original, y cómo quedó puesto en la exposición, con otros autorretratos de diversos artistas.

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No había por qué matarlos a todos.

Como fan de Juego de Tronos y sabiendo que algunas personas que ven este blog también lo son, no he podido resistirme a compartir aquí este video que he encontrado, y que me ha recordado mucho a la entrada que hizo mi compañera panico333 sobre parodias musicales que podeis ver aquí. El vídeo transmite a la perfección esa frustración general de los fans de la saga o de la serie cada vez que un personaje importante muere. Cuidado, contiene spoilers de la primera temporada y el primer libro.

 

Series con Arte: Mujeres Desesperadas

El año pasado un amigo me recomendó esta serie, a la cual confieso que acabé enganchándome hasta el punto de terminar de verla completa en un tiempo récord. Durante los meses que tardé en acabar las ocho temporadas, si algún compañero de los que por aquel entonces estaban en segundo de arquitectura veía la intro de la serie siempre decía algo parecido: ¡Ya reconocerás la mitad de los cuadros que salen cuando estudies historia del arte!

Y efectivamente así ha sido. En la cabecera de la serie modifican cuadros diversos para adaptarlos a la temática de la trama, pero todos ellos siguen siendo fácilmente reconocibles.

Además de los que he sido capaz de reconocer por mí misma, he buscado todas las demás referencias artísticas. Todas son obras que retratan parejas o mujeres en su faceta de ama de casa, resaltándose así uno de los principales temas de la serie.En este blog, por ejemplo, se puede encontrar un análisis detallado de cada una de las obras.

Particularmente me llaman mucho la atención las modificaciones que se les hacen a los cuadros, como el señor Arnolfini que tira una piel de plátano al suelo que su mujer recoge inmediatamente (Es una alusión a Bree, una de las protagonistas de la serie?), o el matrimonio al estilo pop-art donde tras una discusión la mujer le da un puñetazo al hombre, dándole la vuelta a la concepción de la mujer como género débil.

En definitiva, es una intro que merece la pena ver, al igual que la propia serie que es sin duda una de mis favoritas.

¿Enfermedad o Arte?

Descubrí a esta artista por casualidad hace un tiempo, y recientemente volví a recordarla en relación con el body art que hemos estado estudiando en clase.

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Ariana Russell ha llevado su enfermedad al terreno del arte. Sufre dermatografismo, una enfermedad conocida como “escritura sobre la piel”. Los capilares de su cuerpo se dilatan en exceso ante cualquier presión, y las marcas sobre la piel producto de rascaduras o rozaduras son mucho más duraderas de lo normal. Por suerte, es una enfermedad inofensiva e indolora, lo que permite a la artista jugar con ello y crear su arte.

Foto2Además de dibujar directamente sobre su cuerpo, la artista también hace tatuajes temporales a partir de fotos de su piel con distintos grados de irritación. Luego coloca esos tatuajes en su propio cuerpo siguiendo diversos patrones, o sobre paredes, ventanas u otros lugares, llegando incluso a crear un papel de pared con uno de esos motivos. Es curioso darse cuenta de cómo la tonalidad rosada no es uniforme, pudiéndose apreciar perfectamente algunos “desperfectos”, procedentes de esas zonas donde la piel se irrita más.

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Sin embargo, también cuenta con una serie de obras ciertamente perturbadoras, donde imprime patrones de su piel marcada en plásticos, que luego coloca sobre su rostro u otras partes del cuerpo.

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Ariana Russell es, en resumen, una artista impactante. Particularmente me encanta su obra, y me parece fascinante cómo es capaz de convertir en un arte una enfermedad que en ocasiones puede resultar desagradable. Juega con su cuerpo sin  ningún reparo, explorándolo hasta crear con él imágenes singulares y llamativas que no dejan a nadie indiferente, y muchísimo menos si sabes cómo las ha conseguido.

Sitio web de la artista: http://www.arianapagerussell.com/

Silencio, se anuncia

Si hay algo que me gusta de los anuncios publicitarios de la televisión, son sus canciones. Las hay de muchos tipos, más y menos acertadas al igual que los spots en los que aparecen, pero no cabe duda de que una buena canción puede ser un excelente reclamo y una gran forma de hacer que todo el mundo recuerde nuestro producto y tenga su nombre en la mente durante mucho tiempo.

A la hora de elegir la música de un anuncio hay muchas opciones, pero hay una que sin duda incide en esa cualidad de la música de permanecer en la cabeza de las personas incluso de manera inconsciente. ¿Para qué componer algo nuevo, si hay canciones famosísimas que podemos utilizar? Así que de eso voy a hablar, de versiones de canciones utilizadas en anuncios, con más o menos atino.

Empecemos por ejemplo, con aquel anuncio de Coca-cola de hace algunos años, en el que la compañía nos anima a seguir siendo unos chavales.

La clave de este anuncio es, obviamente, su música. La canción es una versión de “Gold”, una canción de los 80 de Spandau Ballet . Los anuncios de Coca-cola suelen destacar siempre por sus canciones pegadizas, y en este caso lo consiguen una vez más.

Este anuncio de Renault Megane GT es, sin duda, mi anuncio favorito de este tipo, tanto por la música como por el estilo visual. La canción es una versión muy divertida de la banda sonora de la película “La historia interminable”, y las imágenes representan un mundo imaginario que recuerda también a la novela y la película de la canción.

Y ahora algo mucho más español, esta versión desenfadada de “Como una ola” de Rocío Jurado. Utilizando un tema tan conocido por todo el mundo, estaba claro que no pasaría desapercibido este sorteo extraordinario de la ONCE.

Telefónica no versiona aquí una canción concretamente, sino que se inspira en un vídeo creado a partir de una canción de Daft Punk, “Harder, better, faster, stronger” que llevaba tiempo circulando por la red. A pesar de la multitud de acusaciones de plagio por parte de las personas que conocían el vídeo, fue recordado por su ritmo pegadizo y por lo asombroso de su técnica.
El vídeo original es este.

Por último, dejo este anuncio que todavía se puede ver en televisión, que particularmente me encanta y con el que no puedo dejar de reírme cada vez que lo veo. “It’s the final countdow”, de Europe, siempre puede dar un matiz épico a cualquier acontecimiento, como que un amigo te traiga una cerveza Buckler sin alcohol.

Asó pues, muchísimos anuncios toman prestadas canciones u otros elementos ya conocidos anteriormente para atraer al público. Hay quien podría pensar que ya que nos están intentando convencer de algo podrían ser más originales, pero a mí me gustan esta clase de anuncios, que utilizan algo familiar, siempre y cuando lo hagan bien. al fin y al cabo, no hay nada mejor que un buen recuerdo para sacarte una sonrisa.

Ximo Ortega – Construyendo Ruinas

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Joaquín Ortega Garrido, nacido en Valencia en 1983 y antiguo estudiante de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, nos presenta sus últimos trabajos en una exposición que pudo visitarse del 12 al 26 de Septiembre en el Centro Cultural de Mislata.

Llegó a mis oídos la inauguración de esta exposición a principios de curso, y me pareció una buena forma de inaugurar mi participación en este blog, como una manera de destacar a un artista que particularmente me parece interesantísimo, a pesar de su juventud. He tenido la suerte de conocerlo en persona y saber algo más de su manera de trabajar, y creo que merece la pena hablar un poco de él.

El primer aspecto destacable de su obra es el uso exclusivo de materiales naturales y reciclados, especialmente la madera que recoge de otros elementos. Tal es su empeño por ello que no utiliza clavos para el ensamblaje de las piezas, sino que los sustituye por los palos de madera utilizados para las brochetas de las barbacoas.
Ximo comenzó utilizando estos materiales por ser baratos y fáciles de conseguir, pero tras un considerable número de exposiciones y obras a sus espaldas los sigue manteniendo, alegando que para crear una buena obra no es necesario el uso de materiales más específicos, más costosos y con mayor impacto medioambiental.

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Y esto nos lleva a explicar otro de los puntos claves de la obra de este artista: el considerar su arte como algo perecedero. Aunque este no es el caso por tratarse de una exposición en una sala, Ximo suele plantear sus esculturas como elementos que tarde o temprano desaparecerán. Por ello ha montado instalaciones en diversos lugares públicos, pensadas como elementos del entorno urbano que acabarán por romperse o desgastarse en plazos de tiempo cortos.

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En esta exposición en concreto nos muestra una serie de seres de formas diversas, todos construidos en madera principalmente. Son unas figuras inquietantes, como monstruos sacados de ilustraciones extrañas que perturban al espectador. En su discurso artístico Ximo nos habla de la creación y la destrucción, de cómo el ser humano transforma y en ocasiones destroza la naturaleza, de cómo juega con su entorno. Las esculturas de madera, de formas alargadas y sinuosas, se cubren de casitas pequeñas que se posan en la superficie, como insignificantes viviendas dejadas caer sobre seres grandes y poderosos.

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La obra de este autor nos hace reflexionar sobre la creación, la construcción, y la intervención del ser humano en un mundo cada vez más trabajado, más construido, y haciendo eco del título de la exposición, más arruinado.

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Sitio web del artista:   http://www.flickr.com/photos/ximoortega