Acuarelas

Ahora estamos terminando esta etapa en el blog y  lejos de estar más cerca de saber definir el arte, cada vez veo más como los límites se amplian de una manera aterradora y apasionante. Me gustaría dedicar este post a dos de las grandes artistas no tan conocidas, que he ido descubriendo a lo largo del tiempo desde hace años y en especial a las acuarelas. ¿Por qué a las acuarelas? Porque a muchas personas les relaja la música, los atarceceres…. Pero a mi me relajan las pinturas en acuarela y así nos podemos despedir despacio y con calma.

Para empezar, las acuarelas de Manoli López, siempre llenas de dulzura y música. En mi opnión solamente hay una cosa más relajante que ver las pinturas y es ver el proceso:

De una manera similar, Paula Bonet, parte de la literatura y la música para inspirar sus ilustraciones. De esta manera impregna no solo los papeles de acuarelas, sino también las paredes de pintura e historias:

De la misma manera durante este tiempo, hemos tenido la oportunidad de llenar este espacio con reflexiones y el arte que más nos ha impactado: desde lo más disparatado hasta lo más convencional. De alguna manera, en vez de  finalizar, esta etapa nos abre un camino, muchos caminos.

Artistas

En los primeros posts de este blog, hablábamos de lo que era el arte, o mejor dicho de lo que podría ser. En el vídeo “consejo a la juventud” de Marina Abramovic, la artista conocida por sus actuaciones de body art, habla de qué son los artistas. Sinceramente, me parece un tema arriesgado, pero aunque no esté completamente de acuerdo con todo lo dicho en el vídeo, hay conclusiones realmente interesantes.

No te cuestionas respirar. De la misma manera, un artista tiene la necesiad absoluta de crear. Realmente me parece un punto de partida perfecto, entendiendo como creación no únicamente el arte pictórico o escultórico.

Por otra parte, un gran artista debe estar preparado para fallar y adentrare siempre en lo desconocido y en aquello que le asusta. Independientemente de la veracidad o no de la afirmación pienso que como consejo es magnífico y queda perfectamente ilustrado gracias a la experiencia con sus alumnos. Según cuenta Marina Abramovic, hizo escribir a sus alumnos cada día, durante tres meses las ideas que tuvieran y tirar a una basura concreta aquellas que le parecieran malas ideas. Al terminar el tiempo limitado, leyó únicamente las ideas que habían deshechado y se dio cuenta de lo valiosas que eran.

No sé si realmente son cualidades de artistas o no, pero creo que es ideal para cualquier persona. De alguna manera, podemos ser artistas en la vida diaria.

Xul Solar

Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías, huésped de infiernos y de cielos, autor panajedrecista y astrólogo perfecto en la indulgente ironía y en la nerosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época. 

Hay mentes que profesan la probidad, otras, la indiscriminada abundancia; la invención caudalosa de Xul Solar no excluye el honesto rigor. Sus pinturas son documentos del mundo ultraterreno, del mundo metafísico en que los dioses toman las formas de la imaginación que los sueña. 

La apasionada arquitectura, los colores felices, los muchos pormenores circunstanciales, los laberintos, los homúnculos y los ángeles inolvidablemente definen este arte delicado y monumnetal. El gusto de nuestro tiempo vacila entre el mero agrado lineal, la transcripción emotiva y el realismo con brocha gorda; Xul Solar renueva, a su modo ambicioso que quiere ser modesto, la mística pintura de los que no ven con los ojos físicos en el ambito sagrado de Blake, de Swedenborg, de yoguis y de bardos.

Jorge Luis Borges

Hace tiempo que quería escribir sobre Xul Solar. Sin embargo, al igual que su museo se abre desde una fachada tradicional y sencilla a una compleja composición de espacios y volumenes, su obra parece expandirse por momentos a complejos símbolos y los más impensables inventos.

Xul Solar fue uno de los artistas más importantes de Argentina, y el único que cuenta con un museo dedicado eclusivamente a su obra en Buenos Aires. Podemos hablar de su pintura, pero es solo una parte de su creación. Investigó y creó dos nuevos lenguajes, propuso una nueva notación musical, así como una variación del piano tradicional y varios juegos como el panajedrez, expuesto en el museo Xul Solar. Además, fue escritor, arquitecto, titiretero y astrólogo, entre otras cosas.

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Aunque la pintura fue unicamente una parte de su producción, en ella se ve representado cómo concevía el mundo y el complejo universo que de alguna manera giraba a su alrededor y deseaba mostrar y aplicar a la realidad común. Por ello, empleaba estas representaciones (principalmente de acuareas o témepras sobre materiales tan elementales como cartones), como medio de comunicación lleno de símbología de las más diversas culturas y numerosos detalles. Paso a paso, creó paisajes oníricos, de recorridos y artefactos imposibles realmente impactantes. Su obra también pretendia ser una base para la religión universal que ideó, como unificadora y pacificadora de todas las religiones.

7. Xul Solar preparando carta astral

Sin título

El Museo Xul Solar, se encuentra en Buenos Aires y es una remodelación de la antigua casa del artista. Símplemente la visita al edificio resulta realmente interesante, aunque demasiadas partes se encuentra cerradas al público.Respecto a las obras, están organizadas por orden cronológico y a lo largo del recorrido se pueden apreciar inventos como el piano que creó o el panajedrez. Desde mi punto de vista, resulta una visita realmente impactante y curiosa, que te aproxima a otras realidades.

http://www.xulsolar.org.ar

LiquidArt

Resulta fascinante cómo siempre hay algo esperando para sorprenderte. Sé que las fotografías a líquidos y gotas a velocidades muy altas para captar formas extrañas son relativamente frecuentes para los apasionados de la fotografía. Sin embargo, las fotos  de Markus Reugels me han parecido especialmente increíbles.

Markus Reugels es un fotógrafo alemán que juega con variables como la iluminación, el color, la densidad y las superficies para lograr formas realmente increíbles. Para lograr cada fotografía toma una media de 450 capturas durante periodos extremadamente cortos de exposición.

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Además, su fotografía ha pasado barreras y ha llegado hasta el ámbito de la moda, pues ha servido de inspiración para estudiantes de moda de la Universidad Candido Mendes, como podemos ver en los siguientes dibujos:

http://www.markusreugels.de/Files/Design.pdf

Movimiento

Cuando comencé a dibujar en la Universidad, muchas veces bromeábamos porque al ser incapaces de dibujar las líneas rectas suponíamos que jamás construirían un edificio nuestro con las paredes completamente verticales. Sería divertido pensar que una situación así llevó a el artista Daiwo Fukawa a ralizar una gama de muebles que parecen sacados de una libreta de bocetos a base de rallajos. Sería divertido oirlo decir: “fue un accidente, me equivocqué y envié los planos de los bocetos”:

No obstante, el resultado fue sin duda intencionado. Resulta realmente interesante, porque  más que crear un moviliario cómodo crea esculturas donde transmite el movimiento del diseño e incluso probablemente del pensamiento y las ideas. En general, parece plasmar el proceso creativo en la realiad del moviliario.

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Otro artista que empla el movimiento durante la creación se Shinichi Maruyama. Si hace poco hablábamos del desnudo, movimiento y retrato. Maruyama los aúna todos para crear retratos impactantes. Estos retratos están hechos a partir de una exposición prolongada de la fotografía, que en realidad no es más que un dinamismo plástico, donde se captan momentos muy próximos, por lo que parece continuo. En cualquier caso, aunque de una manera distanta al moviliario de Fukawa, estas fotografías plasman, en una imagen estática, el dinamismo del arte, en este caso evidente en el baile.

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Mapas y música

Tengo una relación amor-odio con la fotografía. Odio cuando los momentos quedan eclipsados por el intento de mantenerlo impreso en una foto. Tampoco tengo la paciencia para aprender seriamente. Sin embargo, cuando una cámara agena (siempre agena) cae en mis manos, en determinado momento, me absorve por completo. Normalmente no sé muy bien a qué hago fotos y es una manera de entretenerme, sin embargo estas dos fotos son claros ejemplos de momentos captados a propósito (no posados) y con cámaras agenas, siempre.

 

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Las manos son todo un retrato de las personas, tanto por fuera como por dentro, sus movimientos, que a menudo pasan tan desapercibidos, recrean estados de ánimos o transmiten sentimientos en el contacto entre ellas. Lejos de cualquiera pretensión mística, son un auténtico mapa de nuestra vida.

El contacto tierno entre dos manos y las manos como parte de aquello que nos define  es, sin duda, el asunto de esta foto. Los colores fríos de la manta quedan eclipsados por la calidez de la imagen y de la piel. En primer plano se encuentra la mano de una persona joven, sin embargo la parte destacada y enfocada está un poco más atrás. Esta parte es la mano del bebé, que rodea el dedo de la mujer. Este se encuentra prácticamente perpendicular al plano, en escorzo, como la figura del niño y nos hace especialmente partícipes de la escena. Finalmente, el rostro desenfocado del niño, completa la composición diagonal de la fotografía.

 

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Hay muchos motivos por los que querer detener el tiempo, casi tantos como para acelerarlo. Muchas veces las fotografías son una manera de captar un instante, mantenerlo y guardarlo.

Esta foto podría ser importante porque resume en gran medida un viaje excepcional (aunque tiendo a pensar que todos lo son), por la música, por el momento o porque todos los días a esa hora veía impresionada de qué asombrosa manera la luz entraba por el balcón que hice mío un tiempo.

Sin duda, es un contraluz, de marcados contrastes y destacan dos figuras principales. A la izquierda, ligeramente centrada, hay una pequeña mesa coronada por la figura de un gato. A la derecha, un guitarrista parcialmente recortado por los límites de la foto. La composición asimétrica parece dividirse en dos mitades: por un lado quietud, silencio y por otro vibraciones y música. Ambas podrían quedar conectadas por el gesto del gato.

Me gusta dibujar

 

-Me gusta dibujar.

-¿Enserio? ¿Y dibujas bien?
Cada vez que se repite esta escena no puedo evitar sentir decepción y a mi yo más prepotente le entra ganas de decir: “no has entendido nada”.

-No puedo dibujar, no sé hacerlo.
Cada vez que se repite esta escena me inunda una profunda decepción. “No has entendido nada”, siento como las palabras vibran e intentan resvalarse entre mis dientes. Sin embargo, mis labios las sellan e intentan acercarse a algo más políticamente correcto.

No he entendido nada. No me ha interesado entender lo que no quería entender. No he entendido jamás que cuando comencé a dibujar sin parar no sabía dibujar. En ningún momento he pensado que no supiera dibujar. En ningún momento he pensado que supiera dibujar.

Puedes aprender técncias para representar las proporciones correctamente, para ser más realista, para captar hasta la última mota de polvo. Es bonito, es interesante, es precioso y puede llegar a enmudecer.

Aún así, poca relevancia tiene cuando digo que me gusta dibujar.

Adoro dibujar y basta.

Desayuno en El columpio con Fragonard

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J.H. Fragonard retrató en El Columpio a la amante de François Boucher, como encargo de este último para poder disfrutar de las vistas del cuadro en su hogar. Por supuesto, no pasa desapercibida la presencia del mismo aristócrata que lo encargó, tumbado en el suelo, ni tampoco el marido de la chica, que empuja desde las sombras el columpio.

Hasta aquí todo bien, dentro de la evidente escena de infidelidad que estamos observando. Pero alguien más se ha colado en el cuadro: somos nosotros, cualquier persona que pasea por la calle. Aunque más bien, parece que el paisaje idílico, pomposo y sensual del conocido cuadro se ha colado en nuestras calles para que la filosofía hedonista de la obra pase a formar parte de nuestra realidad.

Y es que, eso es precisamente lo que Desayuno con viandantes nos propone con esta imagen. El último sábado de cada mes se reúnen en diferentes calles o plazas de la ciudad para que cualquier persona que le apetezca se una a ellos a desayunar en la calle. Reivindican el uso y disfrute del espacio público por la población, más allá de un mero lugar de tránsito, de la misma manera que el Rococó reivindicaba el arte como algo que disfrutar en sí mismo.

En esta convocatoria en concreto, invitan a un encuentro lleno de estilo y muy refinado. Pero seamos sinceros, un hombre con un carrito de la compra no resulta muy refinado. En general, el día a día no es algo refinado. Parece que las calles solamente se pueden ocupar por gente con dinero para crear un gran acto. Pero, si ese hombre se puede colar en uno de los cuadros más importantes del Rococó, que estuvo en la casa de un gran aristócrata, ¿por qué nosotros no podemos colarnos en una de nuestras maravillosas calles públicas en una mañana idílica?

Hablando de publicidad, aquí os dejo la página de Desayuno con viandantes y la dirección del encuentro que tuvo lugar esta mañana, por si a alguien le apetece colarese en mañanas idílicas:

http://www.desayunoconviandantes.org/convocatoria.html

http://www.desayunoconviandantes.org/

Finalmente, algunas fotos de cómo el arte siguió infiltrándose en el encuentro de esta mañana:

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Benito Quinquela Martín

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Fachada y escalera de la Boca desde patio interior.

Hay pintura paisajística y hay pintura histórica, entre otras. Pero también hay paisajes que gracias a su historia parecen paisajes pictóricos, diseñados hasta el último milímetro por un artista.

Dicen que la primera casa de lo que hoy conocemos como el barrio de La Boca surgió como un fuerte español hecho con la madera del casco de uno de sus barcos, por motivos evidentemente militares. No obstante, el barrio no se habitó como tal hasta que en la primera mitad del siglo XIX comenzaron a asentarse las primeras familias de inmigrantes.

Las familias recién llegadas, de origen humilde, construyeron sus casas con las chapas y las pinturas que podían conseguir del puerto, dando lugar a la excepcional arquitectura que observamos hoy en día. Sin embargo, esta arquitectura no es extravagante únicamente por su fachada sino también por su interior, donde pequeñas casas familiares se organizan en torno a un patio.

La vida de los nuevos habitantes estaría fuertemente arraigada a la actividad portuaria y tenían fama de trabajadores, solidarios, divertidos y melancólicos.  Además sus raíces, especialmente italianas seguían muy presentes en el barrio e incluso llegaron a proclamar la República de la Boca.

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Hombre pintando en el puerto de la Boca

Esta característica cultura, fue retratada por numerosos artistas, entre los que destaca Benito Quinquela Martín.

Benito Quinquela Martín (1890-1970), fue un importante pintor argentino, que vivió en la Boca y se centró especialmente en retratar el trabajo portuario del barrio. Por ello, la representación de figuras humanas es constante y se caracteriza por un excepcional dinamismo.

Su técnica destaca por el uso de la espátula, en sustitución del pincel (especialmente a partir de 1918) y de trazos rápidos y ágiles, que recuerdan al impresionismo.

En muchas ocasiones, Quinquela fue tachado de monotemático, por retratar exclusivamente la Boca. No obstante, seguramente, esta dedicación y los fuertes lazos que lo unían con la zona fue precisamente lo que permitió unas pinturas tan características e imptactantes, con un color tan característico, que él mismo definía como “color local” (” De la fusión entre el individuo y el ambiente surge lo que se llama el color local “).

Actualmente en el barrio de la Boca se puede visitar la casa de Quinquela, donde además se exponen algunas de sus pinturas.

Detalle de la cocina de Quinquela.

Detalle de la cocina de Quinquela

Detalle de un cuadro de Quinquela

Detalle de un cuadro de Quinquela

Elevadores a pleno sol. Quinquela Martín

Elevadores a pleno sol. Quinquela Martín

 

“Un viatge de mil dimonis (i un parell d’àngels)” o cómo dejar de pensar

<<Llamamos pensar a lo que no es pensar, que es un movimiento mecánico de la mente. Pensar, básicamente es no pensar. Es decir, parar el pensamiento es una forma de pensar o una forma de empezar a poder pensar.>>

Andrés Rábago García

Cartel de la exposición. El Roto, Mi siglo. 2001.

Cartel de la exposición. El Roto, Mi siglo. 2001.

Para que dejemos de pensar y así podamos reflexionar la Universidad de Valencia ha transformado el interior del Centre Cultural de la Nau en un viaje por el mundo artístico de Andrés Rábago García, más conocido como “El Roto”.  Sin embargo no siempre fue El Roto, sus obras iníciales estaban firmadas por “OPS” y sus pinturas, tal vez menos conocidas, por Rábago. Pero no nos equivoquemos, hablamos de la misma persona, que a su vez son artistas diferentes pero incomprensibles realmente de forma independiente. Al igual que la España que retrata.

Andrés Rábago García

Andrés Rábago García

Andrés Rábago nació en Madrid el año 1947. Comenzó a publicar en 1968 en revistas, con el sobrenombre de “OPS”. Durante esta etapa desarrolla una fuerte obra crítica a la dictadura franquista del momento, arrancando siempre desde un análisis interior. Sin embargo resulta mágico cómo, comenzando de una manera personal, logra desnudar la sociedad española de la dictadura (y en muchos casos también a la actual), hasta retratarla con su característica crudeza.

Poco a poco OPS se fragmentó en dos:  el creador de sátira política y especialista en análisis de todo lo que nos rodea, que todos conocemos con el sobrenombre de El Roto (especialmente por sus publicaciones en el periódico El País) y el pintor bajo el ortónimo de “Rábago”. En sus pinturas a óleo sobre lienzo, los personajes enmudecen, callando nuestras pensamientos, mientras los colores llenan nuestra mente y nos permiten acercarnos a un mundo más interior y personal. Tal vez, por eso, en la exposición tachan estas últimas obras de metafísicas y resultan más complicadas de entender.

<<Por un lado, El Roto quiere debilitar la sombra desde el lado propio de la sombra, mientras que Rábago quiere reforzar la luz desde el lado propio de la luz>>.

Andrés Rábago García

 

<<Las exposiciones ya tienen otra función, mucho más minoritaria. Para mí son muy importantes, porque te permiten ver con una mayor distancia las cosas que has hecho, lo cual es básico para el propio autor>>.

Andrés Rábago García

Y así, nos preparamos para hacer un alto en el camino y a lo largo de las tres salas que la Universidad de Valencia ha dedicado al artista intentar entender mejor su producción poética, estética y crítica.

Tras un amplio y llamativo cartel introductorio, avanzamos hasta el mapa, donde podemos ver con claridad las tres salas donde se desarrolla la exposición, logrando una perfecta estructuración inicial de sus obras: dos salas en la planta baja, dedicadas al Roto y OPS y una sala en la segunda planta donde observar su obra pictórica. Además recomiendan la visita de forma cronológica, lo cual ciertamente ayuda a comprender la evolución del artista.

Todas las salas están pintadas con un gris neutro, acompañadas por una iluminación tenue y  adornadas con ampliaciones de algunas de sus dibujos, que sin embargo, en absoluto distraen de las viñetas enmarcadas en sencillos marcos de madera. De esta manera, la exposición logra un ambiente que envuelve la obra.

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La primera sala, que corresponde a sus primeros años consigue adentrarte perfectamente en la exposición, tras un texto explicativo de su primera etapa como OPS. Sin embargo algunas veces, si olvidamos observar el título y fecha de la obra podemos sorprendernos al ver cómo las críticas parecen completamente actuales, de la misma manera que cuando creemos llegar a la actualidad con la segunda sala, dedicada a El Roto nos topamos con restos romanos bajo el suelo. Sin duda, los restos estaban expuesto allí antes de la exposición, pero da que pensar y resulta una curiosa y acertada “coincidencia”; pues, si hay algo que transmite esta exposición, es la necesidad de un pasado para comprender el presente, tanto a nivel personal como a nivel social.

OPS

OPS

Restos romanos en la sala dedicada a El Roto

Restos romanos en la sala dedicada a El Roto

El Roto

El Roto

En la segunda sala también encontramos libros para hojear y comprar del autor y un vídeo donde el artista habla de su obra y la exposición. Finalmente podemos subir a la segunda planta para llegar a la tercera sala.

Esta sala, sigue el discurso sencillo del resto de la exposición:  hay una introducción a su obra como pintor, paredes e iluminación idéntica. Sin embargo, aquí podemos apreciar además, los bocetos de las obras. De esta manera, mientras nos invita a descubrir nuestro lado más íntimo muestra el suyo como pintor.

La exposición se inaguró el 26 de septiembre del 2013 y estará hasta el 12 de enero del 2014, los carteles están tanto en valenciano como en castellano, todas las plantas son perfectamente accesibles para minusválidos y es completamente gratuita, así que no hay excusa para no visitarla.

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“Un viatge de mil dimonis (i un parell d’àngels)”   atrapa desde el primer instante y permite no solamente conocer la obra de Andrés Rábago García con mayor profundidad, sino conocer y reflexionar sobre el mundo que nos rodea, sobre nosotros mismos, nuestro pasado y el porqué. Sin duda una necesidad que parece especialmente imprescindible en el presente, pero que sin embargo, es tan atemporal como muchas de sus obras logran ser, aún basándose en el presente.

Resulta increíble como a través de imágenes tan duras, rostros constantemente de apariencia inocente y resignada, despierta el lado más positivo en la consciencia de las personas.

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El Roto eligió el arte y la sátira como parte del mismo. para convatir los mismos mounstruos que retrata en sus ilustraciones.


P1230443    El Roto eligió el arte y la sátira para convatir los mismos mounstruos que retrata en sus ilustraciones.