La importancia de las pequeñas cosas

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Quería despedirme del año y de esta etapa del blog con este artista, puesto que fue la primera idea que tuve para escribir y por unos motivos u otros no he llegado a publicarla en todos estos meses. Ya se sabe, los estudiantes somos muy dados a dejar lo importante para el último momento, pero eso no quiere decir que por ello tenga que ser peor.

Dalton Ghetti es un artista que utiliza los lápices para crear arte, pero de una manera algo inusual. En apenas unos milímetros es capaz de crear unas esculturas magníficas y singulares en las minas de grafito. El artista lleva unos veinticinco años tallando estas maravillas, tras decidir dejar a un lado su faceta de carpintero para, en sus propias palabras, “tratar de hacer las cosas tan pequeñas como fuera posible”.

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Es esta última reflexión del artista con la que quiero cerrar mi colaboración en este espacio, ya que aunque tratemos de magnificar siempre todo, a veces las cosas pequeñas son las más importantes.

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Acuarelas

Ahora estamos terminando esta etapa en el blog y  lejos de estar más cerca de saber definir el arte, cada vez veo más como los límites se amplian de una manera aterradora y apasionante. Me gustaría dedicar este post a dos de las grandes artistas no tan conocidas, que he ido descubriendo a lo largo del tiempo desde hace años y en especial a las acuarelas. ¿Por qué a las acuarelas? Porque a muchas personas les relaja la música, los atarceceres…. Pero a mi me relajan las pinturas en acuarela y así nos podemos despedir despacio y con calma.

Para empezar, las acuarelas de Manoli López, siempre llenas de dulzura y música. En mi opnión solamente hay una cosa más relajante que ver las pinturas y es ver el proceso:

De una manera similar, Paula Bonet, parte de la literatura y la música para inspirar sus ilustraciones. De esta manera impregna no solo los papeles de acuarelas, sino también las paredes de pintura e historias:

De la misma manera durante este tiempo, hemos tenido la oportunidad de llenar este espacio con reflexiones y el arte que más nos ha impactado: desde lo más disparatado hasta lo más convencional. De alguna manera, en vez de  finalizar, esta etapa nos abre un camino, muchos caminos.

El arte por el arte

Para ser sincera es mi forma preferida de utilizar el arte, el por que sí.
Todos hemos visto arte en anuncios, en campañas … O incluso artistas que intentan reivindicar con su arte.
Aquí os voy a dejar unos vídeos, que en mi opinión son geniales y que lo más interesante es su manera de tratar el arte, ya que suelen combinar dos o tres ramas del arte a la vez.


Este es un video que encontré por casualidad escuchando música. Quizás este sea el único que tenga como componente la pintura. Lo importante de este vídeo no es el resultado del trabajo en sí, ya que si lo veis el dibujo del final es muy simple, e incluso puede dejar que desear. Lo fantástico del vídeo es el proceso, y la mezcla que hace de música, pintura, y sobre todo cine. El resultado de combinar todo esto habla por sí solo. Confieso que he visto este video muchísimas veces y no me he cansado aún.

Este está estrechamente relacionado con otro video con música del mismo estilo. En un principio no sabía si ponerlo o no en esta entrada, quizás no guste esta música a todos, pero el video merece la pena.

Aquí hace un buen uso del recurso del vídeo para complementar perfectamente la canción.

Os dejo también un video de muy buena calidad que me impresionó en su día y debajo explicaciones del objetivo del autor, que para mí que son innecesarias y que le quitan belleza al video.

El video combina sobre todo el vídeo y el baile con la música.
Y siguiendo con el baile, dejaré un video más tranquilito pero precioso.

Espero que los artistas nunca dejen de crear y experimentar por el simple amor al arte, supongo que mientras exista el amor existirá este tipo de arte.

Artistas

En los primeros posts de este blog, hablábamos de lo que era el arte, o mejor dicho de lo que podría ser. En el vídeo “consejo a la juventud” de Marina Abramovic, la artista conocida por sus actuaciones de body art, habla de qué son los artistas. Sinceramente, me parece un tema arriesgado, pero aunque no esté completamente de acuerdo con todo lo dicho en el vídeo, hay conclusiones realmente interesantes.

No te cuestionas respirar. De la misma manera, un artista tiene la necesiad absoluta de crear. Realmente me parece un punto de partida perfecto, entendiendo como creación no únicamente el arte pictórico o escultórico.

Por otra parte, un gran artista debe estar preparado para fallar y adentrare siempre en lo desconocido y en aquello que le asusta. Independientemente de la veracidad o no de la afirmación pienso que como consejo es magnífico y queda perfectamente ilustrado gracias a la experiencia con sus alumnos. Según cuenta Marina Abramovic, hizo escribir a sus alumnos cada día, durante tres meses las ideas que tuvieran y tirar a una basura concreta aquellas que le parecieran malas ideas. Al terminar el tiempo limitado, leyó únicamente las ideas que habían deshechado y se dio cuenta de lo valiosas que eran.

No sé si realmente son cualidades de artistas o no, pero creo que es ideal para cualquier persona. De alguna manera, podemos ser artistas en la vida diaria.

L’illusionniste

No puedo evitar recomendar aquí, en este blog, una de las películas más bellas que he tenido la ocasión de ver.

Se trata de L’illusionniste, una película de animación basada en un guión de JacquesTati, que se desarrolla en Francia, Londres y, sobre todo Escocia. Fue dirigida por Sylvain Chomet, quien también trabajó y adaptó el guión de Tati y compuso la música.

En ella, un mago, Tatischeff (en realidad es Monsieur Hulot, el personaje que Tati creara anteriormente, y que ya conocemos de películas suyas Mi tío, Las vacaciones de Monsieur Hulot…) trata de cumplir los deseos de una joven, que piensa que las ilusiones del mago son verdadera magia y no simples trucos.

La película, pienso, es de una belleza conmovedora, no solo por los bonitos dibujos o por la música, sino también por la historia que se cuenta, y su final.

Aquí os dejo el trailer:

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Xul Solar

Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías, huésped de infiernos y de cielos, autor panajedrecista y astrólogo perfecto en la indulgente ironía y en la nerosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época. 

Hay mentes que profesan la probidad, otras, la indiscriminada abundancia; la invención caudalosa de Xul Solar no excluye el honesto rigor. Sus pinturas son documentos del mundo ultraterreno, del mundo metafísico en que los dioses toman las formas de la imaginación que los sueña. 

La apasionada arquitectura, los colores felices, los muchos pormenores circunstanciales, los laberintos, los homúnculos y los ángeles inolvidablemente definen este arte delicado y monumnetal. El gusto de nuestro tiempo vacila entre el mero agrado lineal, la transcripción emotiva y el realismo con brocha gorda; Xul Solar renueva, a su modo ambicioso que quiere ser modesto, la mística pintura de los que no ven con los ojos físicos en el ambito sagrado de Blake, de Swedenborg, de yoguis y de bardos.

Jorge Luis Borges

Hace tiempo que quería escribir sobre Xul Solar. Sin embargo, al igual que su museo se abre desde una fachada tradicional y sencilla a una compleja composición de espacios y volumenes, su obra parece expandirse por momentos a complejos símbolos y los más impensables inventos.

Xul Solar fue uno de los artistas más importantes de Argentina, y el único que cuenta con un museo dedicado eclusivamente a su obra en Buenos Aires. Podemos hablar de su pintura, pero es solo una parte de su creación. Investigó y creó dos nuevos lenguajes, propuso una nueva notación musical, así como una variación del piano tradicional y varios juegos como el panajedrez, expuesto en el museo Xul Solar. Además, fue escritor, arquitecto, titiretero y astrólogo, entre otras cosas.

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Aunque la pintura fue unicamente una parte de su producción, en ella se ve representado cómo concevía el mundo y el complejo universo que de alguna manera giraba a su alrededor y deseaba mostrar y aplicar a la realidad común. Por ello, empleaba estas representaciones (principalmente de acuareas o témepras sobre materiales tan elementales como cartones), como medio de comunicación lleno de símbología de las más diversas culturas y numerosos detalles. Paso a paso, creó paisajes oníricos, de recorridos y artefactos imposibles realmente impactantes. Su obra también pretendia ser una base para la religión universal que ideó, como unificadora y pacificadora de todas las religiones.

7. Xul Solar preparando carta astral

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El Museo Xul Solar, se encuentra en Buenos Aires y es una remodelación de la antigua casa del artista. Símplemente la visita al edificio resulta realmente interesante, aunque demasiadas partes se encuentra cerradas al público.Respecto a las obras, están organizadas por orden cronológico y a lo largo del recorrido se pueden apreciar inventos como el piano que creó o el panajedrez. Desde mi punto de vista, resulta una visita realmente impactante y curiosa, que te aproxima a otras realidades.

http://www.xulsolar.org.ar

Martí Quinto 1978 – 2013

El Centro del Carmen acoge estos días, hasta el 12 de enero, una exposición de dibujos y pinturas del artista Rafael Martí Quinto: Martí Quinto 1978 – 2013.

En la exposición aparecen obras que ilustran el recorrido artístico del autor: unas primeras obras que datan de 1978 – 1980 – 1983, entre las que se encuentran algunos dibujos, obras referidas al placer de leer, u obras más diferentes y provocadoras; obras del año 1999 en las que aparece la seriación y obras de los años 2001 – 2004 – 2006, centradas en lo urbano cotidiano narrado desde cierta distancia.

En cuanto a las pinturas expuestas he de decir que me llevé una agradable impresión. Me gustaron especialmente las referidas al placer de leer, por el tema y la forma de narrarlo, y las de los años 2001 – 2006, especialmente por los colores elegidos y sus combinaciones. Estas últimas pinturas personalmente me recordaron a Cézanne.Image

 

RAFAEL MARTÍ QUINTO: “Luz de la mañana II”

2002. Óleo sobre lino. 54x65cm

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PAUL CÉZANNE: “La montaña Sainte-Victoire vista desde Lauves”

1904-06. Óleo sobre lienzo. 60x72cm

 

También me gustaría hablar de la forma en que está montada la exposición. Ésta se sitúa en un espacio del convento que era el antiguo dormitorio de los monjes y que ha sido recientemente restaurado (yo no lo había visitado todavía).

Pienso que es una buena manera la forma en que se organiza la exposición: unos paneles puestos en diagonal con respecto a las pareces de la sala. Esta forma de colocar la exposición permite que se pueda contemplar tanto ésta como las paredes del dormitorio, que contienen algunas pinturas (o restos de ellas) y alguna hornacina. Las diagonales que crean los paneles cambian de dirección en la mitad de la sala, de manera simétrica, cosa que me parece menos adecuada para el tipo de exposición además de que queda un tanto forzada, bajo mi punto de vista.

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La iluminación pienso que es otro logro ya que se sitúa colgada de las grandes vigas del bello techo de madera, e ilumina de forma tangencial las obras, sin deslumbrar, sin crear sombras molestas y permitiendo a la vez contemplar la estructura de la arquitectura de la sala sin causar un impacto negativo.

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Los paneles son todos blancos. Pienso que es una buena elección porque es muy acorde con la sala (las maderas de techo y suelo y las paredes decoradas) y con la sencillez de la exposición (a la que colaboran los sencillos marcos y las cartelas, también blancas, con letras negras). También creo que ayuda a apreciar muy bien los colores de las pinturas de los años 2001 – 2006. No ayuda tanto a pinturas anteriores aunque tampoco pienso que les sea negativo. 

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En cuanto a la organización de las pinturas, pienso que es muy adecuada ya que permite seguir la trayectoria del artista y contemplar las obras agrupadas en un panel u otro según temática. 

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invierno

Aprovechando que hoy es la llegada del invierno, aquí os traigo una audición que trata sobre dicha estación. Es el concierto para solista (violín) de A. Vivaldi: Invierno.

Vivaldi fue un compositor italiano, de finales del barroco, al que, en la historia de la música, se le ha tratado siempre como uno de esos compositores puente entre el barroco y el clasicismo.

¿Por qué? Por que tiene recursos que se utilizaron en ambas estéticas. Es habitual encontrarnos con compositores (y en general, artistas de otras disciplinas) que pertenezcan a “ambos mundos”. Pensad que una corriente artística no desaparece el último día del año y empieza otra al día siguiente. Las cosas van evolucionando, o mejor, cambiando, ya que no podemos admitir que un estilo posterior sea más avanzado que el anterior solo por estar después en el tiempo.

Volvamos a Vivaldi y a estos rasgos que lo hacen medio barroco, medio clásico. Rasgos barrocos son la presencia del bajo continuo (escuchad el clave) que desaparecerá en el clasicismo. La teatralidad, retórica y dramatismo de la obra. La forma (estructura general en la que se organiza la obra), que escapa a la rigidez formal clásica. El género de la obra que es un concierto de solista, un género barroco que perdurará en el clasicismo con una forma un poco diferente. Rasgos clásicos son menos, pero importantes: la sencillez armónica (o de los acordes), es decir, utilización de pocos acordes de diferentes tipos. La claridad y estabilidad armónica, es decir, la no confusión por no saber muy bien qué está pasando con la armonía. El planteamiento de melodía acompañada, ya que, en general, el acompañamiento pasa a un segundo plano y se organiza en acordes que llevan todos el mismo ritmo.

Con respecto a la obra, me gustaría decir un par de datos:

Al contrario de lo que muchos piensan, las cuatro estaciones de Vivaldi son cuatro conciertos para solista diferentes y no varios movimientos de un solo concierto. Esto quiere decir que son conciertos independientes agrupados por su temática, pero por nada más (no comparten material musical entre ellos).

El concierto para solista era uno de los géneros más importantes del barroco. Vivaldi trabajó profusamente este modelo de concierto. Sus solistas solían ser violines (aunque tiene una gran cantidad de conciertos para otros instrumentos) ya que el violín era el instrumento de moda del barroco: se acababa de inventar (hacia 1600) y ofrecía mejores posibilidades que los instrumentos de cuerda pulsada renacentistas (más potencia de volumen, más agilidades técnicas, más facilidad de lectura y recursos diferentes y nuevos).

Además, estos conciertos de Vivaldi, Las cuatro estaciones, fueron de los primeros ejemplos de música programática. La música programática es aquella que intenta trasmitir al oyente una sensación extramusical, es aquella que está basada en alguna historia o hecho fuera de la propia música, e intenta transmitirlo. El punto de esta música está en que no se trabaja directamente sobre una idea musical sino que se trabaja sobre una idea de otro tipo (literaria, de la naturaleza, histórica) y en función de esta idea no musical el compositor crea una música que hace referencia a dicha idea. En este caso quiere transmitir la sensación de invierno y para ello utiliza los trinos del principio, muy dramáticos, haciendo referencia al resbaladizo hielo.

En el barroco hay algunos ejemplos de música programática, ya que daban mucha importancia a la teatralidad, aunque puede que no se plantearan mucho la idea de “programático” y la diferencia musical y filosófica (estética) que existe entre ambos conceptos de música. Será en el romanticismo y postromanticismo cuando este tipo de obras triunfen, y se tenga una conciencia de esta diferencia, creándose verdaderas disputas filosóficas en torno a qué tipo de música era “la verdadera”. El pistoletazo de salida lo dio Beethoven con su sinfonía sexta, Pastoral, y a partir de ese momento comenzaron las disputas entre los defensores de la música pura y los de la música programática. Hay muchos ejemplos de programática: desde la sinfonía escocesa de Mendelsohn, los poemas sinfónicos de Liszt, las sinfonías de Berlioz, hasta las sinfonías de Mahler (en cierta medida) o los poemas sinfónicos de R. Strauss. Aun hoy siguen existiendo ejemplos de composiciones programáticas.

Un feliz invierno y que disfrutéis del video

Exposición Alter Ego II. Autorretratos en Papel

Esta exposición de alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la UPV, con el autorretrato como hilo conductor, trata de dar respuesta a estas preguntas mediante el lenguaje del dibujo.

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Es sabido que a lo largo de la historia, la mayoría de los artistas han buscado representarse a sí mismos, y de esta manera reconocerse y presentarse ante los demás. Esto supone un ejercicio de introspección muy valioso para todo aquel que quiera dedicarse a la práctica de las Bellas Artes y estos jóvenes, sin duda, abordan el reto con valentía y sinceridad, cada cual en concordancia con su propia personalidad e inquietudes.

 

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Son 80 cuerpos, que se enfrentan a su propio reflejo como una confesión íntima, que revela los aspectos de su propio cuerpo, tratando de dialogar con el espectador desde su lado más primigenio. Cabezas, ojos, bocas, y pechos se repiten como elementos comunes.

 

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Estas obras se gestan como proyecto final de la asignatura Dibujo: Lenguaje y técnicas, disciplina obligada en los estudios de la Facultad, por la que pasan cada curso más de 400 futuros graduados en Bellas Artes y en Restauración.

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De modo que la muestra ha supuesto una selección de 80 dibujos de gran formato, realizados con técnicas propias del ámbito gráfico sobre papel: carboncillo, barras de color, pasteles, acuarela, tinta.

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La propuesta se concreta como una excelente oportunidad para hacer visibles los proyectos que quedarían restringidos al espacio académico, y consigue ponerlos en valor, situándolos en un contexto expositivo de calidad. Y a su vez, logra que los alumnos vean como toma sentido su trabajo y se aproximan hacia una profesionalización artística.

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Para concluir, he de decir que desde que he ido conociendo a gente de la facultad de bellas artes, cada vez les tengo más respeto y admiración por los trabajos que realizan. Verdaderamente son ARTISTAS, los cuales espero que se les presenten las mejores oportunidades del mundo, se lo merecen. Son los que mantendrán el amor por el arte en el futuro, así que hay que animarlos lo máximo que podamos.

MOSAICOS A LO GRANDE, SAIMIR STRATI

El artista de mosaicos, Saimir Strati, empezó su carrera con diversas restauraciones de mosaicos en las zonas arqueológicas de Byllis, Amantia y Appolonia en Albania. Ha creado algunos de los mosaicos más espectaculares y ha sido galardonado con siete premios Guinness en la última década. Ha creado mosaicos únicos utilizando solo palillos de dientes, clavos, tornillos, granos de café o incluso brochas.

 

LEONARDO DA VINCI

En el 2006 ganó su primer Record Guinness Mundial recreando el auto-retrato de Leonardo da Vinci utilizando al rededor de 400 kilos de clavos sobre una superficie de 2×4 metros.

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Reinless Spirit

En el 2007 consigue su segundo Record Guinness Mundial trabajando durante 40 días para crear la imagen de un caballo utilizando 1.5 millones de palillos de dientes sobre una superficie de 2×4 metros.

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Mediterraneana

En el 2008, colabora con lo que ahora se conoce como Ekphrasis Studio con la cual empieza su tercer intento de record mundial, el cual fue un éxito. El mosaico tenía un tema mediterraneo, y consistía en 229.764 corchos de vino sobre una superficie de 12.94×7.10 metros.

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King of Pop

En el 2009, en honor a Michael Jackson tras su fallecimiento, Saimir Strati crea el mosaico con brochas del Rey del Pop más grande del mundo. Estaba compuesto de 230.000 brochas y le mereció el cuarto Record Guinness Mundial.

 

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Artists Banknote

En 2010, para el Día de los Record Guinness Mundiales, terminó el mosaico de tornillos más grande del mundo con más de 350.000 tornillos. La obra de arte representa un billete, dedicado a los artistas de todo el mundo ya que consideraba los considera pobres, siendo el dinero lo que los ciega aun sin ser motivación a la creación artística. Esta pieza de arte le confirió su quinto Record Guinness Mundial.

 

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Un mundo, una familia, un café

En 2011, Saimir Strati tardó 31 días para crear el mosaico de granos de café más grande del mundo con más de 1 millón de granos de café. En esta obra, unió cinco caracteres de los diferentes continentes- Sudamérica con un bailador de samba, Norteamérica con un vaquero, Asia con una china tocando el tambor, Europa con un señor mayor tocando el acordeón y África con aborigen tocando música tribal. Éste fue su sexto Record Guinness Mundial.

 

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El nuevo mosaico de granos de café más grande del mundo

Tras haber sido arrebatado su record mundial del mosaico de granos de café más grande del mundo por el artista ruso Arkadi Kim, Saimir Strati pone en 2012 el listón más alto con el nuevo mosaico de granos de café más grande del mundo, recibiendo su séptimo Record Guinness.

 

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Se puede considerar uno de los artistas más conmemorados de los últimos años con sus trabajos a lo GRANDE. Es muy probable que volvamos a oír nuevas noticias sobre Saimir Strati bastante pronto.